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En revoyant, il y a un ou deux ans, le célébrissime film de Michael Curtiz “Les aventures de Robin des Bois“ avec Errol Flyn, j’avais été frappé par un détail qui m’avait échappé jusque-là : le nom du compositeur, Erich Wolfgang Korngold. Je le connaissais pour son opéra “Die tote Stadt“, joué et enregistré régulièrement, et son concerto pour violon, réputé être l’un des plus difficile du répertoire.
Mais n’étant pas cinéphile, j’ignorais tout de sa contribution, pourtant essentielle, au septième art : de nombreux compositeurs actuels reconnaissent avoir été influencés par ses compositions.

Erich Wolfgang Korngold est né en 1897 à Brno, alors en Autriche-Hongrie. Enfant prodige, il n’a que 12 ans lorsqu’il compose son premier trio avec piano ainsi qu’un ballet “Der Schneemann“ qui sera représenté en 1910 à l’Opéra de Vienne. En 1920, son opéra “Die tote Stadt“ remporte un triomphe à Hambourg : il n’a que 23 ans et cette œuvre, représentée sur toutes les grandes scènes, ne quittera plus l’affiche. A partir de 1929, il entame une collaboration avec le metteur en scène Max Reinhardt, collaboration qui lui donnera l’occasion de son premier voyage à Hollywood où il s’installera après avoir été obligé de fuir l’Autriche. Naturalisé américain en 1943, il décède le 29 novembre 1957.
Son approche symphonique de la musique de film a été à l’origine d’un courant dont se réclament de nombreux compositeurs dont John Williams (La guerre des étoiles, Harry Potter, la saga Indian Jones, la liste de Schindler…).





Karan Armstrong et James King dans “Die tote Stadt“


Hilary Hahn dans le final du concerto pour violon.
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L'Opéra National du Rhin a été créé en 1972. Avant cette date, Strasbourg et Mulhouse disposaient de leur propre troupe. Si l'opéra de Strasbourg était d'un haut niveau international (grâce à des directeurs musicaux comme Klemperer ou Furtwängler), celui de Mulhouse se situait à un niveau comparable à celui des autres théâtres de province.

Il n'était alors pas rare de voir les passionnés d'art lyrique se rendre à Bâle, qui n'est qu'à quarante kilomètres de Mulhouse pour voir et entendre des œuvres que les moyens mulhousiens ne permettaient pas de monter. C'est ainsi qu'ils auront été parmi les premiers à découvrir une jeune chanteuse qui fit ses débuts dans la ville suisse en1956 dans le rôle de Mimi. Elle avait alors 23 ans. En troupe à Bâle jusqu'en 1959, elle allait enchaîner Donna Elvira, Tosca, Nedda, Antonia, Aïda, Salomé...



Après trois autres années de troupe à Brême, puis ses premiers engagements ponctuels (passant par Rouen, Marseille, Lausanne, Barcelone...) elle allait connaître la consécration internationale en remplaçant Marilyn Horne dans le rôle de Lucrezia Borgia à Carnegie Hall le 20 avril 1965. La carrière de Montserrat Caballe était lancée !
Son impressionnante discographie témoigne de la richesse de cette carrière : 121 enregistrements d'opéras, 18 récitals...

Le public strasbourgeois aura eu le plaisir de l'entendre souvent. Trois enregistrements seront effectués dans le tout nouveau Palais des Congrès et de la Musique dans les années 70 : Faust (avec Giacomo Aragall et Paul Plishka), Turandot (avec Mirella Freni, Jose Carreras et Paul Plishka) et un récital Strauss-Wagner, les deux premiers avec les chœurs de l'Opéra du Rhin et, pour les trois, l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg sous la direction d'Alain Lombard.


Richard Strauss, Vier letzte Lieder, Beim Schlafengehen - Orchestre Philharmonique de Strasbourg, violon solo Paul Crepel, direction Alain Lombard.

Je n'ai eu l'occasion de la voir qu'une seule fois sur scène, dans une œuvre de son compositeur préféré, Richard Strauss : elle chantait Ariadne dans Ariadne auf Naxos aux côtés de Peter Lindroos, Jeanne Piland et Gwendolyne Bradley sous la direction de Lothar Zagrosek, dans une mise en scène de Jean-louis Martinoty. C'était à l'Opéra Comique, le 11 octobre 1986.

Ce 12 avril, elle fête ses 75 ans et ne semble toujours pas avoir renoncé à la scène : de nombreux récitals et concerts, un enregistrement du très rare Maria Padilla de Donizetti avec sa fille, Montserrat Marti, Marie-Magdeleine de Massenet à Vienne...

L'une de ses dernières apparitions au Staatsoper de Vienne en avril 2007, dans le rôle (parlé) de la Duchesse de Crackentorp dans la Fille du Régiment. Durant la fête du mariage, elle chante la petite chanson suisse qu'elle a pour habitude de donner en bis...



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Si je ne suis guère passionné par le cinéma, j'avoue un petit faible pour certains vieux films. Le hasard veut qu'en ce moment l'un de mes préférés est diffusé par une chaîne du câble. Dialogué par Audiard, avec Paul Meurisse, Robert Dalban.

Le commandant Dromard et son équipe servent d'appat pour capturer un groupe terroriste. Pour l'occasion, le commandant porte un micro. Au signal convenu, les forces de polices doivent intervenir. Le signal ? Une chanson bien française, sifflotée discrètement. Même comme rien ne se passe jamais comme prévu, le micro est cassé dans une bagarre. Alors comment faire lorsque l'on se retrouve en plein cœur du vieux quartier chinois de Hong-Kong ? Un haut-parleur qui retransmet un spectacle traditionnel donné dans un petit théâtre donne une idée au commandant... (on avait dit : discret, le signal !)

Cette scène permet également de mettre en valeur un aspect un peu moins connu de Paul Meurisse : il avait fait ces débuts comme chanteur. Un aperçu de son talent dans "Margot la ventouse" (site de l'udenap)

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Encore une tradition qui est née dans notre région ! Je vais finir par croire que l'Alsace est le centre du monde…

L’oeuf est sans doute le plus vieux et le plus universel symbole de vie et de renaissance notamment et, depuis la nuit des temps, de multiples rituels lui ont été associés. De là à l’associer à Pâques qui, dans la tradition chrétienne, est le moment de la renaissance, d’un nouveau départ, il n’y avait qu’un pas. D’autant plus que la consommation d’œufs étant interdite lors du Carême, les distribuer ou les offrir était la meilleure solution pour écouler les importantes quantités récoltées durant ces 40 jours. C’est au XIIIème siècle que cette coutume s’est installée : les œufs étaient bénis puis offerts tel quel. La noblesse allait s’emparer de cette tradition en la faisant évoluer : les œufs étaient décorés, peints ou garnis de joyaux. Au XVIème siècle apparurent les premiers œufs contenant une surprise.
Et ce n’est qu’au XVIIIème siècle que l’on eut l’idée de vider un œuf pour le remplir de chocolat.

Mais dans les pays germaniques existe une autre tradition : le lièvre de Pâques. Comme beaucoup d’autres, cette tradition est née en Alsace, il y a plus de 300 ans. Il en est fait mention pour la première fois dans un texte de 1678). Les origines en sont vagues, on peut toutefois relever que le lièvre était l’animal d’Aphrodite et de la déesse germanique de la Terre Holda et qu’il était également l’animal symbolique du Christ dans l’empire byzantin.
La légende veut qu’une vieille femme, qui n'avait pas assez d'argent pour acheter des œufs décorés pour ses petits-enfants, décida alors d'en peindre elle-même.
Elle les cacha dans son jardin sous de petits tas de brindilles et appela ensuite les enfants pour les inviter à chercher leurs surprises.
Tout à coup, un lièvre surgit de l'un petit nid de brindilles. Les enfants étaient alors persuadés que c’était ce lièvre qui avait déposé les œufs.
Voilà comment est née la tradition du lièvre de Pâques !
Comme pour celles de Noël, cette tradition a été apportée aux Etats-Unis par la vague migrante d’origine germanique et c’est ainsi que les Américains espèrent que "l'Easter Bunny" leur apportera des lapins en chocolat et des sucreries dans un panier tressé...

Les cloches en chocolat se rattachent à une autre tradition. En signe de deuil, l’Eglise avait interdit de faire sonner les cloches à partir du Jeudi Saint. Durant cette période, ce sont les enfants qui appelaient aux offices en parcourant les rues des villages en agitant des crécelles. Les cloches ne sonnaient à nouveau que le jour de Pâques. D’où cette légende des cloches qui partiraient pour Rome durant ces quelques jours. A défaut de les entendre sonner, on les mangeait !

Dans les pays de tradition protestante, le Vendredi Saint reste un jour particulier. En Alsace et en Moselle, le droit local en fait un jour férié. A Strasbourg, en l’église Saint-Guillaume, tous les Vendredis Saints est donnée l’une des Passions de Bach, une tradition qui a été établie par Albert Schweitzer.

Et depuis quelques années, un autre concert a lieu ce jour-là, à Colmar, dans la chapelle du Musée d’Unterlinden (ancien couvent des Dominicaines) devant ce qui est certainement l’une des plus impressionnante crucifixion, celle du Retable d’Issenheim, l’œuvre-charnière entre la peinture du Moyen-âge et celle de la Renaissance. Cette année c'est au Parlement de Musique, sous la direction de Martin Gester que reviendra le plaisir de se produire dans ce cadre unique.

Héritage de l'annexion, le droit local nous accorde un jour férié supplémentaire le Vendredi Saint, du coup, la semaine prochaine… vendredi, samedi, dimanche, lundi… un très long week-end en perspective !
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S’il est un genre qui a connu de profonds changements dans la manière de l’aborder, c’est bien la musique baroque.

Dans les années 70, j’assistais régulièrement à une série de concerts estivaux appelée alors “Les jeudis du vieux Colmar“. Ces concerts étaient donnés dans le cloître de l’ancien couvent des dominicains devenu bibliothèque municipale. Les plus célèbres orchestres de chambre de l’époque s’y succédaient. Leurs programmes comportaient nombres d’œuvres que l’on ne qualifiaient pas encore de baroque. Elles étaient jouées sur des instruments modernes. Pouvions-nous imaginer alors les entendre autrement ?
Et la tradition qui voulait que le Messie de Haendel soit interprété par un grand orchestre et un chœur pléthorique nous semblait parfaitement justifiée.

Quelle surprise alors d’entendre ces œuvres dans des interprétations allégées, sur instruments d’époque (pas toujours très juste)… Une redécouverte. Et la naissance d’une polémique : fallait-il faire abstraction de toutes les évolutions qu’avaient connus les instruments au cours des siècles ?
Cette polémique nous semble bien dépassée aujourd’hui.

Cette “révolution“ aura eu le mérité de nous permettre de redécouvrir ce que nous étions persuadé connaître.
Ainsi, la célébrissime musique pour les feux d’artifices royaux de Haendel : combien de fois ne l’avais-je entendu ? Mais jamais dans sa version “définitive“, sans les cordes : 9 trompettes, 9 cors, 24 hautbois, 12 bassons. 1 contrebasson, 3 paires de timbales… Ne pourrait-on dire que Haendel venait d’écrire la première œuvre pour un orchestre d’harmonie ?



La musique baroque a trouvé sa place. L’usage des instruments d’époque s’est même étendu à des époques plus récentes avec l’apparition d’orchestres comme l’orchestre révolutionnaire et romantique. De grandes institutions ont créé leur propre ensemble, comme la Scintilla à l’Opéra de Zurich. Composé d’instrumentistes de l’orchestre de l’opéra jouant sur instruments d’époque, il accompagne les représentations des œuvres baroques sous la direction des plus grands spécialistes du genre comme Harnoncourt ou Christie. Impossible de ne pas le remarquer en entrant dans la salle : la fosse d’orchestre est alors rehaussée au niveau de la salle. Petite curiosité : tout y est, dans la fosse surélevée les instrumentistes de la Scintilla, à leur tête Nikolaus Harnoncourt, mais… l’œuvre au programme semble pourtant bien loin de leur répertoire d’élection !
Vous avez dit baroque ?



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